«И это называют искусством?!»-не раз думал каждый из нас, прогуливаясь по музейным залам. Пожалуй, самым популярным в этом смысле является «Черный квадрат» Казимира Малевича. Или небезызвестный «Фонтан» Марселя Дюшана. Полотна Марка Ротко? Почему произведения, на первый взгляд кажущиеся простыми пятнами краски, ценятся так высоко и стоят так дорого?
Чем руководствуется мастер в момент создания шедевра? О чем думал Лучо Фонтана, создавая свою «Пространственную концепцию»? «Закрасить полотно красной краской и надрезать холст может каждый!» — первая мысль, которая приходит в голову. Но это лишь нежелание понять смысл работы. «Чем же руководствовался художник?» — спросите вы. Для понимания этого необходимо внимательно изучить все пространство холста. Несомненно, это потребует времени, которого нет у современного человека, но именно в детальном «погружении» в предмет искусства заключена разгадка многих произведений.
Лучо Фонтана. Пространственная концепция. Холст, масло. 1961
Фонтана умело разворачивает целую историю в своем полотне: красный цвет провоцирует зрителя вспомнить о крови, а выполненные рукой художника разрезы ужасают, заставляя думать о насилии. Но все не настолько поверхностно: гений Лучо Фонтана заключен в одном единственном жесте-разрезе, который является губительным и созидательным одновременно. Насильственное заключено во вспарывании монохромного пространства картины, одновременно созидающее новое произведение искусства. Художник стремился выйти за рамки холста, и точный удар резака (почти скульптурный, точный жест, отсекающий все лишнее) превращал двухмерное пространство в трехмерное, и в этот момент предмет прекращал быть картиной, становясь совершенно новым арт-объектом. Фонтана таким образом надрезал и прокалывал множество своих произведений, однако максимальной популярностью пользуется именно «Пространственная концепция» в силу своего напряжения. Мастер создавал абстрактные фигуры на холстах, применял несколько оттенков, но только монохромный цвет дал возможность не отвлекаться от главного – разрезов. Становится понятным, что данное произведение далеко от изображения насилия, это, наоборот, гимн созиданию нового искусства, нового пространства.
Новое искусство создавал и небезызвестный Казимир Малевич. Каждый первый при упоминании «Черного квадрата» удивлялся тому, что «Квадраты» (а их несколько) висят в лучших музеях мира. Что же заставляет ученых вновь и вновь писать трактаты, посвящая труды искусству Малевича? Следует понимать, что восприятие человека начала XX века сильно отличалось от современного, люди жили в другом темпе: не было сверхскоростного метро, новостные сводки не обновлялись каждую секунду, события не перекрывали друг друга. И зрители ходили в музеи и картинные галереи как в кино: разгадывали события, о которых повествовал автор, видели переплетения судеб героев, поражались мастерству художника. У одной картины посетители могли стоять часами, изучая детали, мазки на холсте. И в это время Малевич предложил публике свое супрематическое искусство, изображающее монохромные геометрические фигуры в белом пространстве. «Черный квадрат» произвел впечатление разорвавшейся бомбы: пожалуй, если современное телевидение отменит все программы и пустит в эфир черный экран, заявив, что это и есть искусство – эффект будет схожим. Черный квадрат на белом фоне при детальном изучении оказывается не совсем квадратом, фон также является совсем не белым.
Казимир Малевич, Черный квадрат. Холст,масло. 1915
О чем же повествует картина? Малевич был хорошим рисовальщиком, которому было тесно в рамках академической живописи, он пробовал себя в разных жанрах и техниках. Однако художник понимал, что прерывать с традициями необходимо разом: но как можно отойти от вековых правил? Ответом стал «Черный квадрат», вместивший в себя все картины мира, ведь именно черный цвет получится при смешении всех оттенков красок. Форма была выбрана также не случайно – почти прямоугольник (ни одна сторона не равна другим) создает подвижную, динамичную форму, на которую интересно смотреть. Исследователи утверждают, что своим произведением Малевич пытался приблизить эру покорения космических пространств, а его супрематические произведения являются представлениями о далеких звездах. Возможно, именно так видел художник вселенную – бесконечное молочно-белое пространство, в котором «живут» абстрактные формы. Есть и иная трактовка «Черного квадрата», отсылающая зрителей в далекое прошлое, на Восток. Возможно, Малевич вдохновлялся искусством древнекитайских мудрецов, которые считали началом мироздания энергии Инь и Ян. Темное и светлое, твердое и мягкое, день и ночь, холод и жар – все эти противоречия воплотились в полной мере в искусстве Малевича. А может быть, «Черный квадрат» явился первой картиной, в которой художник отказался от контекста, содержательной стороны и доминирующее значение отдал динамике, цвету, напряжению. В любом случае, дискутировать по поводу этого произведения можно часами, отыскивая все новые смыслы и значения, открывая грани искусства Малевича и наслаждаясь «чистой живописью и чистым искусством».
Искусством чистым и наивным славится сюрреалист Хуан Миро, который создал свои самые известные работы в стиле, напоминающем детские рисунки. Примером может служить полотно «Собака», проданное за более чем 2 млн. долларов. Чем привлекает искусство, подражающее детским зарисовкам? На первый взгляд кажется, что рисовать по-детски может любой желающий, но создать поистине шедевр под силу немногим. Дело здесь в выверенных пропорциях произведения. Детскому мировосприятию легко поддаются законы перспективы и композиции, а еще легче даются нарушения правил. Даже взрослому человеку, имеющему первоклассное академическое образование, зачастую не под силу так цельно и свободно расположить фигуры на холсте. Миро в своем творчестве следовал основному завету сюрреалистов, освобождая бессознательное начало в противовес логике и рассудку. Имитируя детский рисунок, художник с чутким вниманием относился к алогичному сюжету, новым формам, подчеркнутой декоративности. И Хуану Миро удалось то, к чему стремятся многие взрослые – вновь «посмотреть на мир глазами ребенка», отразить это видение в своих работах и воспеть свободу искусства. Именно этим так высоко ценится творчество каталонского мастера.
Хуан Миро, Собака. Холст, масло, 1926
Тонкий колористический строй и повышенная декоративность отличает полотна еще одного признанного мастера – Анри Матисса, чье произведение «Танец» является наиболее обсуждаемым на протяжение столетия. Это живописное панно, на первый взгляд наивное и простое, изображает дионисийскую пляску перволюдей, колоссов, не имеющих пола и каких-либо индивидуальных черт, закрутившихся в бесконечном хороводе. Поиски гармонии и дисгармонии приводят Матисса к новым формам и локальным цветовым сочетаниям. Изображая дикую пляску, художник не забывает о пропорциях: зрителю стоит немного присмотреться и увидеть равновесие частей картины, единство всего трех цветов, которые не вступают в конфликт, а умело дополняют общее впечатление произведения. Равновесие полотна подчеркивается и за счет удобной точки зрения – по центру, на уровне глаз, четко прочитываемым ритмом. Характерной чертой творчества мастера является узнаваемость изображенного: даже если Матисс создает вымысел, миф, он показывает его как что-то уже знакомое. Таким образом, отвечая на фразу «Такое может нарисовать каждый!», следует отметить, что простому человеку, не имеющему за плечами огромного художнического опыта, не создать настолько изящного и дикого, умеренного и неистового произведения.
Анри Матисс, Танец. Холст,масло, 1910
Но любому под силу преобразовать обыденность и создать предмет искусства из повседневных вещей, как, например, поступил Марсель Дюшан. Дадаист поместил в выставочное пространство обыкновенный писсуар и, перевернув его, оставил собственный автограф. Разве может типовая вещь, не созданная руками художника, претендовать на звание арт-объекта? Дюшан своим примером доказал, что искусство становится искусством, имея контекст и точный интеллектуальный посыл. Если творчество Малевича является новой, «чистой живописью», то работа Марселя Дюшана является «чистой скульптурой», отправным пунктом для дальнейшего развития искусства. Кубисты, супрематисты, сюрреалисты прилагали максимум усилий, чтобы создать беспредметное искусство, которое не зависело бы от реальности. Дюшан поступает наоборот: максимально концентрируясь на бытовом предмете, потешается над художественными традициями. Выворачивая наизнанку смысл и предназначение предмета, он заявляет миру, что видит его совершенно иным – с новой точки зрения. Дюшан предлагает посмотреть и зрителю на труды собственного воображения и разглядеть за заурядной вещью достойное музея произведение. Пожалуй, именно креативностью, так необходимой сегодняшнему человеку, художник оставил след в веках и завоевал мировую популярность.
Марсель Дюшан. Фонтан 1917, 1964 .
Подводя итог рассуждениям о произведениях искусства, на первый взгляд совершенно не похожих на арт-объекты, следует отметить, что кажущаяся легкость и простота создания не должна смущать зрителя. Настоящие жемчужины изобразительного искусства всегда имеют контекст, наличие метафоры, понятное и логичное объяснение. И понимание смысла произведения посетителю галерей и музеев придет лишь после того, как он задаст себе вечный вопрос, заученный еще со школьных времен: «Что хотел сказать автор?». Внимательный визуальный контакт, собственные предположения и данная статья помогут зрителям ориентироваться в таком сложном, но очень простом; ясном, но неоднозначном искусстве!
Автор статьи: Бакиева Диана